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    「合成器改變了一切。」David Borden 直言不諱地表示。「當我遇見 Bob Moog 時，就像放棄了我過去十年的音樂訓練一樣。」1969 年，Borden 創立了 Mother Mallard’s Portable Masterpiece Co.，這支樂隊被譽為世界首支全合成器樂隊，開創了電子音樂新時代。然而，Borden 的音樂之路並非一開始就是這樣。     出生於波士頓的 Borden，自小便與古典音樂結下不解之緣。他自幼學習鋼琴，12 歲時就舉行了個人音樂會，演奏 Bartok 和 Debussy 的經典作品。然而，隨著年紀增長，他對爵士樂產生了濃厚興趣。高中時期，他加入了一個青少年爵士樂俱樂部，這個俱樂部與 Newport Jazz Festival 創辦人 George Wein 有密切聯繫。Borden 回憶：「當時誰在 Storyville 俱樂部表演，都會到我們這裡為青少年演奏一場，因此我能近距離接觸 Stan Getz、Modern Jazz Quartet、Erroll Garner 和 Shelly Manne 等爵士大師。」這段經歷讓他在年輕時便沉浸於最頂尖的爵士音樂環境中。 Make Way For Mother Mallard : 50 Years of Music by Mother Mallard's Portable Masterpiece Co / David Borden     除了演奏，他也師從爵士傳奇人物 Jaki Byard 和 Jimmy Giuffre 深造爵士樂，並在青少年時期組建了自己的爵士三重奏樂隊。然而，他並未止步於爵士領域。在研究生階段，他進一步專注於作曲，甚至修讀了 Aaron Copland 主講的管弦樂課程。這些經歷讓 Borden 成為一名技藝精湛的音樂家，並在紐約伊薩卡的 Cornell University 擔任舞蹈課程的作曲家和鋼琴家。     然而，1967 年的命運交會徹底改變了他的方向。他遇到了電子音樂先驅 Bob Moog。這場偶然的相遇，為 Borden 打開了合成器的世界，也讓他走上了重新定義音樂表達的道路。從古典鋼琴到爵士樂，再到電子音樂...

        波蘭樂團Błoto在2020年首次登場時，展現了驚人的創作能量，一年內發表了三張專輯。這段高產期之後，樂團投入巡演和其他項目，讓樂迷等了三年才等到他們的新作品。在這段等待期間，樂團醞釀出新的創意，並將第四張專輯的構想逐漸具體化。現在，這張專輯即將與樂迷見面，像往常一樣，秋天帶來了《Grzybnia（Mycelium）》的到來。     這張專輯的概念自從《Kwasy i zasady》發布後就在樂團內部萌芽，並於2023年1月底在華沙的Studio Pasterka正式成形，由Piotr Zabrodzki負責指導。這是樂團有史以來最富成果的一次錄音，創意源源不斷。這些作品不僅帶來了廣受好評的單曲《Szlam / Ścieki》和《Bakteria》，還為明年即將發表的EP提供了足夠的素材。     專輯《Kwasy i zasady》的化學名稱看似複雜，但實際上描述的是人際關係中阻礙和諧的特質，反映了21世紀社會的兩極分化現象。而《Grzybnia》的隱喻則更進一步，強調合作的重要性，並指出合作可以帶來各種結果——既有好的，也有壞的。這張專輯特別強調集體行動的力量，超越了分裂的界限。 Grzybnia by Błoto     在這個支離破碎、不穩定的現代世界中，菌絲（mycelium）的概念成為一個強大的象徵。菌絲能夠在由人類造成的退化、看似無生命的環境中茁壯成長。菌絲的核心意義在於合作，所有參與者都能受益，每個人都為這個過程貢獻一些，並得到回報。菌絲是一種共生體，它通過與某些樹木的根部形成菌根關係，交換重要的生命物質，雙方互惠互利。菌絲世界展示了合作的力量。     一朵蘑菇可能會像一個人一樣死亡，但菌絲卻能長久存活，類似於人類文化的永恆。Błoto樂團的運作方式就像菌絲一樣，他們毫無疑問屬於地下音樂的領域，代表了這一類音樂的精髓。樂團也是音樂的「解構者」。正如波蘭諾貝爾文學獎得主Olga Tokarczuk在她的書《Primeval and Other Times》中所提到的：「[...]菌絲通過從死亡、分解和滲入大地的東西中吸取生命的最後一絲痕跡而茁壯成長。菌...

      Tokio Hotel，一支來自德國的流行搖滾樂隊，自2001年成立以來，便以其獨特的音樂風格，和強大的舞台魅力，征服了全球樂迷的心。樂隊成員包括主唱比爾·考利茲（Bill Kaulitz）、吉他手湯姆·考利茲（Tom Kaulitz）、貝斯手兼鍵盤手喬治·李斯汀（Georg Listing）和鼓手古斯塔夫·沙費（Gustav Schäfer）。這支四人樂隊憑藉其多變的音樂風格和真摯的歌詞，成為了當代德國流行音樂的重要代表之一。   《Schrei》     2005年，Tokio Hotel 以其首張專輯《Schrei》迅速崛起。專輯中的單曲〈Durch den Monsun〉成為了一首現象級的熱門歌曲，讓樂隊在德國乃至歐洲其他地區一舉成名。《Schrei》的成功不僅僅在於其音樂上的吸引力，更在於它捕捉到了青少年的心聲與情感，引起了廣泛共鳴。   從《Zimmer 483》到《Scream》     隨著2007年專輯《Zimmer 483》的發行，Tokio Hotel 的音樂影響力進一步擴大。這張專輯在德國和奧地利等地的排行榜上名列前茅，展現了他們穩固的音樂基礎。同年，樂隊推出了英語專輯《Scream》，成功打入歐美市場。英語版本的歌曲，不僅讓他們吸引了更多的國際粉絲，也證明了他們在不同語言環境下的音樂表達能力。   《Humanoid》的電子元素     2009年，Tokio Hotel 發行了專輯《Humanoid》，展示了樂隊在音樂上的進一步探索。這張專輯融入了更多電子音樂元素，標誌著樂隊風格的多樣化和創新能力。電子元素的加入為他們的音樂增添了新的層次感和現代感，吸引了更多追求新鮮感和創意的聽眾。 從《Kings of Suburbia》到《Dream Machine》     Tokio Hotel 在隨後的幾年中繼續推出新音樂並進行全球巡演。2014年，他們發行了專輯《Kings of Suburbia》，這張專輯進一步融合了電子音樂和搖滾元素，展現了樂隊不斷進步的音樂創作能力。2017年的《Dream Machine》更是讓樂隊的音樂風格達到了新的高...

  Nicky Elisabeth的首張專輯《The Way of Love》寫作過程是她生命中最具“變革性”的經歷之一。這不僅挑戰了她的創造力，提升了她在鋼琴、製作和唱歌方面的技能，還涉及了大量自我挖掘，這對任何人來說都可能是令人畏懼的。 作為一位面對音樂產業不平等的女性，Elisabeth知道她必須克服不安和自我懷疑的感覺，才能創作出忠於自我的作品。通過這樣的努力，這位從DJ轉型為製作人的藝術家雕刻出一種平衡了阿姆斯特丹（Amsterdam）地下電子音樂場景背景和近期發現的旋律舞曲及流行音樂的新聲音。   在比利時（Belgium）長大後，Elisabeth作為學生回到荷蘭（Holland），深入參與當地的夜店文化。她在現在已經關閉的De Marktkantine獲得了她的首個DJ駐場機會，這位新興音樂家磨練了自己的技藝，學會了如何通過自己的音樂講述故事——這項技能後來在她轉向詞曲創作和製作時派上了用場。此後，Elisabeth在包括Awakenings、fabric、Printworks、Amsterdam Dance Event、Lost Village和DGTL等眾多著名場館和活動中演出，音樂風格從更為硬朗、簡約的科技舞曲演變為更深邃、更愉悅的聲音。    2021年，這位藝術家首次涉足製作。歌曲《Celeste》以其持續的強勁低音線逐漸過渡到更柔和和更愉悅的旋律，完美體現了這位藝術家逐漸擺脫她所熟悉的強烈聲音的過程。隨後，2023年的《Fading》和《Dusk》也被收錄在新專輯中，展示了Elisabeth越來越有信心地擁抱更具流行風格的舞曲，並更注重聲樂。   隨著專輯的最終發布，於9月20日透過Anjunadeep發行，Elisabeth的標誌性風格在這張13首曲目的專輯中閃耀，融合了流行、科技、浩室音樂和電子音樂——但始終強調快樂、自由和自我表達。 如今，這位藝術家在倫敦（London）和阿姆斯特丹之間定居，她對地下俱樂部文化的欣賞依然存在，她策劃了一個播放列表，圍繞“舞池上那些錯綜複雜、親密的時刻……邀請你閉上眼睛，沉浸於音樂之中”。 不過，我們首先與Elisabeth談到了她的製作之旅以及這段經歷如何幫助她更深入地了解自己。     問：   你當了超過十年的DJ，近...

The Collective by Kim Gordon       音樂界的傳奇人物兼多學科藝術家Kim Gordon再次回歸，她帶著她的第二張個人專輯《The Collective》，將於3月8日在 Matador 發行。這張專輯在她的家鄉洛杉磯錄製，延續了 Gordon 於 2019 年發行的首張長篇專輯《No Home Record》的風格。這次，她再次與製作人 Justin Raisen（曾與Lil Yachty、John Cale、Yeah Yeah Yeahs、Charli XCX、Yves Tumor等合作）攜手合作，並由 Anthony Paul Lopez 進行額外製作。這張專輯不僅推進了他們共同的世界建設，而且將 Raisen 受損、爆裂的配音和trap結構與Gordon直觀的文字拼貼和逃學咒語相結合，引發了溝通、商業昇華和感官超載。     在專輯中，Gordon 表示：“我想表達我現在周圍感受到的絕對瘋狂。在這個時刻，沒有人真正知道真相是什麼，事實不一定會影響人們，每個人都有自己的立場，從而產生了普遍的偏執感。舒緩、夢想、逃避毒品、電視節目、購物、互聯網，一切都很簡單、順利、方便、有品牌。這讓我想要顛覆，想要追隨一些未知的事物，甚至可能會失敗。”     這番話道出了 Gordon 對於當下社會現況的觀察和反思。她試圖通過音樂表達對於當代社會的不安和挑戰，希望能夠引起聽眾的共鳴和思考。在這個充斥著瘋狂和不確定性的時代，Gordon 的音樂帶著一種解放和反叛的精神，呼籲人們去追求真實和未知，即使可能會面臨失敗。     在名人世界和特權的光影之下，一張實驗性的電子專輯，若由 Gwyneth Paltrow 親手製作，必然會呈現出何種風貌？或許答案應該尋求於 Kim Gordon 的 The Collective。《The Collective》之所以成為一張偉大的唱片，並不僅僅在於它如何精巧地反映了社交媒體時代的麻木喋喋不休，以及一切皆可買賣的現實，尤其是你我；更重要的是，當你聽著這張專輯越久，它便顯得多麼微妙而可怕。在戈登冷漠的聲音下，明顯帶有一絲恐懼，因為在我們買買買的同時，很少有人真正關心到人性。  ...